6 порад художникам, як говорити про своє мистецтво

Дійсно, навчальні програми магістрів вимагають, щоб студенти регулярно працювали зі словом, шляхом структурування своїх оцінок навколо неприємної практики перегляду однолітків та викладачів як способу професійної підготовки молодих художників, що готуються до “справжнього світу”. Але здатність дистилювати абстрактну ідею твору або навіть цілої практики – в прагматичну, конкретну мову може стимулювати і навіть допомогти визначити кар’єру художника.

В той час, як словесники, такі як Ліам Джілік та Кара Уокер, роблять це, здавалося б, з легкістю, багато художників вважають, що краще зберігати мовчання на предмет власної роботи, щоб їх словесні навички випадково не підірвали їхнє творче бачення. Щоб дізнатись про те, що робить художника чітким та ефективним спікером, Артсі розмовляв з майстрами слова з усього світу, включаючи художників, професорів, дилерів, кураторів та критиків. Нижче ми зібрали свої поради.

Вивчайте свою цільову аудиторію

Перш за все, художники повинні оцінити, що для них найбільш значуще в їхній роботі, перш ніж вони намагаються розказати іншому, чому це важливо.

“Визначте одну річ, знання про яку є найнеобхіднішим для глядачів, щоб дізнатися про вашу роботу, незалежно від того, чи це конкретний твір чи ваша практика в цілому. Річ у тім, що, якщо вона буде залишена поза увагою чи була неправильно виражена, то ви почуватиметесь сумним чи розгніваним”, – говорить Хлое Басс, концептуальна художниця, письменниця та професорка мистецтв у Квінс Коледжі, CUNY.

Після того, як ви це зробите для себе, Басс пропонує з’ясувати, як це пояснити п’ятьом різним людям: другу не-художнику, другу художнику, куратору, сусіду та вашій бабусі. Якщо ви використовуєте ту саму мову кожного разу, ви втрачаєте чотири п’ятих цих потенційних аудиторій. “Існує неправильне уявлення про те, що розмова про нашу роботу дещо відрізняється від простого спілкування з людьми. Це не так, або, принаймні, я вважаю, що це не повинно так бути”.

Робіть деякі підготовчі роботи

Навіть якщо у вашому ліфті відточений крок боком і назад, Джейн Хермон з галереї New York’s Fortnight Institute відзначає, що корисно мати ідею для виставки перед тим, як розмовляти з дилером чи куратором. “Коли я розмовляю з художником, я хочу знати, що об’єднує разом роботу”, – сказала вона. Це не має обмежуватись лише однією річчю, але Хермон зазначила, що якщо художник може визначити конкретну нитку, яка проходить крізь роботу, вона знає, що автор думав про те, як це все може грати в просторі разом – що може допомогти їй побачити це в проекті.

Проте не поспішайте завершити купу робіт, перш ніж представити ідею. Марк Скала, головний куратор Nashville’s Frist Center for the Visual Arts, сказав, що йому цікаво говорити про еволюцію роботи художника, як вона розвивається. “Це допомагає стимулювати корисну бесіду, коли можна побачити декілька прикладів вихідних матеріалів – малюнків, фотографій, цифрових файлів, купу відходів, поточних робіт, які можуть представляти незрозумілі проблеми”, – сказав він, зазначивши, що також корисно бачити прогрес від старих до більш пізніх робіт.

Будьте чесними

Для багатьох художників важко точно визначити “чому” для кожного рішення, яке вони прийняли при створенні основи роботи, оскільки креативне вираження є інтуїтивним процесом.

Художник Натаніел Марі Квінн зазначив, що на початку своєї кар’єри він часто турбувався, що його не приймуть за розумника, якщо б він не мав відповідей на все, що його питали про роботу. Зараз, після численних виставок, у таких галерея як Rhona Hoffman Gallery та Pace, художник зізнається, що зрозумів, як легко говориться про те, що добре знаєш, а не намагатися блефувати, це підвищило рівень довіри.

Він прагне бути чесним і справжнім. “Якщо ви не знаєте, чому ви робите певний вибір у своїй практиці, тоді просто скажіть: “Я не знаю!” – радить Натаніел.

Спрощуйте опис
Розгубившись і не знаючи, що сказати, легко піддатися спокусі та відступити до очевидного візуального ряду. Проте опис зображеного не допомагає глядачеві зрозуміти картину. Художник-самоук та в минулому промисловий дизайнер Хьюго МакКлауд, говорить, що він відмовляється від бажання описувати, маючи постійну точку, до якої повертається говорячи про свою роботу. “Я знаю, що мені комфортно почати діалог, розповідаючи про свій процес,” – сказав він. Тож, коли він помічає, що відхилився від теми під час візиту в студію або дискусії в галереї, МакКлауд повертається до опису свого творчого процесу, як до каменя-вказівника.

Катерін Хоу, художниця та директорка програми критичних студій Нью-Йоркської академії мистецтв, говорить, що велике випробування – це “подальше висвітлення візуальної роботи за допомогою мови, що творить нові асоціації, будує звязки та дає несподіване розуміння”. Вона радить своїм студентам витрачати час, говорячи про неочевидні речі, як це робить МакКлауд, коли зосереджується на процесах “за лаштунками”.”Я часто запитую, чи ми дійсно додаємо щось досвіду споглядання,” – говорить Хоу, – “Чи можемо ми продовжити та збагатити цей візуальний досвід?”

Не перебільшуйте

Однак, слід зазначити, що є обмеження щодо того, як забагато ви хочете сказати. “Я застерігаю студентів, уникати гіперболізації, проти, до певної міри, прямого та очевидного політично ангажованого жаргону,” – говорить Басс. Замість цього вона заохочує художників намагатися загартовувати свій власний голос, навіть якщо це може бути складно зробити під тиском.

Розповідаючи про власну роботу, Басс зазначила, що “існує реальне відчуття ризику”, і надмірна мова дуже приваблива для використання, коли ви почуваєтеся вразливими. Але вона вважає, що для неї та її аудиторії корисніше, усвідомлювати, як презентувати великі ідеї за допомогою малих – “під цим я розумію не куцу, а скоріше зрозумілу мову”.

Практикуйтеся
Басс прийшла в мистецтво з театральним досвідом, бачивши креативні практики, що базуються на спілкуванні, на сценаріях, як на імпровізації, так і на співпраці, саме тому вона вважає, що найкраща порада, яку може дати – це проводити репетиції. “Вчіться говорити те саме у різний спосіб, використовуючи просту, лаконічну мову, а решта логічно піде слідом,” – пропонує вона.

Але обмін вашими думками або ідеями на завжди такий самий прямолінійний, як у навчанні, і не мусить таким бути. Скоріше, це має бути як процес перекладу. “У перекладі завжди є втрати та відхилення, незалежно чи йдеться про переклад з іспанської на англійську, чи про переклад візуальної мови у вербальну,” – говорить Басс. “Я думаю, це нормально і не варто очікувати, що бачачи щось можемо точно передати інформацію, як і в точності почути пояснення”.

Авторка: Margaret Carrigan
Оригінал тексту: 6 Tips for Artists on How to Talk about Their Art